Es folgt eine kurze Hymne auf die Band Doctorella. Seitdem ich am Freitag auf ihrer Record Release Party war höre ich ihr erstes Album “Drogen und Psychologen”. So etwas schönes gab es in diesem Jahr noch nicht. Und das hat einen einfachen Grund: Hier gelingt endlich einmal wieder, was bei all den Kapitulations- und Depressionsszenarien im deutschen Diskurspop ein wenig untergegangen ist: Dass nämlich in der richtig guten Musik nicht nur die unerfüllten Bedürfnisse anklingen sollten, sondern auch eine bessere Welt fühlbar wird – zumindest für einen Moment.

“Ich weiß auch, dass der Schnee heute fällt / ich schrei’s laut: es ist ne bitterkalte Welt” geht das Lied Ich hol dich aus dem Irrenhaus los und besingt den alltäglichen Wahnsinn, die Rollenbilder, Konventionen und strukturellen Zwänge, die sich in den eigenen Kopf eingegraben haben, um dann Rettung zu versprechen: “Ich hol dich aus dem Irrenhaus / ich pflück dir einen Blumenstrauß / ich bin verrückt nach deinem Spleen / bin deine Medizin.”

“Die Köpfe voller Schrot”

Einen solch verrückten Blumenstrauß gab es zuletzt auf Tocotoronics Album “Schall und Wahn”. Doch der von Doctorella ist eben tanzbar. Der Spaß, den die Frontfrauen Sandra (Gesang/Gitarre) und Kerstin Grether (Gesang/Keyboard) auf der Bühne haben, ist ansteckend, ihr Punk-Rock-Elektro-Synthie-Chanson Mix immer überraschend und wirft mit Zeilen um sich, die einen immer wieder berühren, im Abgründigen wie im Utopischen.

Beispiel Liebe: In Zwei Engel ein Verbot singt Kerstin Grether mit ihrer eindriglichen und herrlich schrägen Stimme: “Wenn ich mir die Haut aufschneide reicht mein Blut aus für uns beide / und siehst du nicht die Narben, sag: fühlst du dich verraten?” und besingt dann, was jeder kennt, nur eben noch nie so sagen konnte: “Wir waren uns nah / und die Köpfe voller Schrot / Liebe ist fürwahr / immer wie Abschied / und noch kälter als der Tod”.

Da ist also viel Dunkelheit in dem Album (Mädchen auf der Schaukel, Die Reichen tragen schwarz, Like a black butterfly), aber immer gebrochen durch das knallige Doctorella-Prisma und die Sehnsucht nach dem ganz Anderen. Über die Verneinung der Verhaltenszwänge und gängiger Therapieformen – “Drogen und Psychologen, ihr habt mich nur belogen – von nun an bis in alle Ewigkeit, hör ich nur noch auf mich” – führt die Reise endlich ins befreite Märchenland: “Lass uns Märchenwesen sein / uns befreien mit einem Kuss / und versprich mir dass ich keine / hundert Jahre warten muss.”

“Dornröschen, bleib wach!”

Wer da nun Eskapismus wittert, muss ein reicher schwarzer Anzugsträger sein. Denn natürlich wissen die Grether Riot Grrrls und Slutwalk-Mitorganisatorinnen, dass die potentiellen Märchengeschichten hier und heute erst noch geschrieben werden müssen – “Dornröschen, bleib wach!” schreien sie deshalb dem Traum hinterher. Aber wenn die Sehnsucht keinen Ort mehr findet, wofür sollte sie dann heute kämpfen?

Dass durch den bunten Stilmix einige Lieder etwas überfrachtet sind – geschenkt, verziehen auch das Berlin-Faible. Dafür gibt es Ausgang aus dem bitterkalten Irrenhaus. Und in Wandern durch die Nacht noch mehr: “Ich fühle diese Zeit wird bleiben / wenn wir den Weg zu zweit beschreiten / und du sagst / wir sind dabei und trotzdem frei.” Und wenn dieses “trotzdem” das nächste Mal verloren geht: einfach Doctorella hören.

Inzwischen sind alle Vorträge der Bielefelder Tagung “Kritische Theorie und Emanzipation” von vergangenem November hochgeladen und freuen sich über Hörer_innen. Als da wären:

• Alex Demirovic: Was ist Kritische Theorie?
• Rüdiger Dannemann: Zur Kritik der Verdinglichung
• Heinz Gess: Kritische Theorie über den Antisemitismus
• Isabelle Klasen: Über Begriff und Aktualität der Kulturindustrie
• Dirk Braunstein: Kritische Theorie und die Kritik der politischen Ökonomie
  
• Barbara Umrath: Feminismus und Kritische Theorie

Ziel kritischer Theorie ist es übrigens, wie auf der Tagungsseite nachzulesen, “Leben und Denken im bewussten Widerspruch zu organisieren. Kurz: Weder sich von der Macht der anderen, noch von der eigenen Ohnmacht sich dumm machen zu lassen (Theodor W. Adorno).”

In der Natur sind die Bedüfniswelten noch klar: Die Animation Who I Am and What I Want zeigt, wie es sein könnte. (via)

Wenn es statt „Wofür lebst du eigentlich?“ nur noch „Wovon lebst du eigentlich?“ heißt: Die Zeitschrift „Testcard“ fragt in ihrer aktuellen Ausgabe nach den Überlebensmöglichkeiten der Popkritik.

Am schönsten hat es David Mackenzie in seinem Film “Perfect Sense“ veranschaulicht. Um zu zeigen, wie „Überleben“ funktioniert, braucht er nicht einmal Zombies, erst recht keine ineinander fallenden Planeten. In „Perfect Sense“ verlieren die Menschen nach und nach all ihre Sinne. Trotzdem geht ihr Leben immer irgendwie weiter: Können sie nicht mehr riechen, würzen sie ihr Essen um ein Vielfaches. Können sie nicht mehr hören, pressen sie ihre Ohren dicht an die Musikboxen. Vielleicht schmecken sie ja doch noch etwas, vielleicht fühlen sie wenigstens, wie die Vibrationen der Musik den eigenen Körper treffen.

Gegen Ende verlieren Ewan McGregor und Eva Green dann ihr Augenlicht, während sie aufeinander zugehen. Sie schaffen es gerade noch, sich aneinander festzuhalten. Eine Stimme aus dem Off sagt: „Wenn sie jetzt jemand sehen würde, sähen sie aus wie ein normales Liebespaar. Sie wissen alles, was sie wissen müssen – selbstvergessen gegenüber der Welt um sie herum. Nur so geht das Leben weiter.“

Im Überlebensmodus ist die Welt um uns herum nur noch ein Störfaktor. Ob nun in Zombie-, Katastrophenfilmen oder sonstigen Weltuntergangszenarien – selten hatte der Kampf ums Überleben einen so prominenten Platz in der Popkultur wie heute. Dabei geht es nur scheinbar immer ums Ganze: Im Grunde geht es immer nur darum, selbst irgendwie über die Runden zu kommen: die volle Dröhnung Nichts.

Egal wie, egal wofür

Der Popkritiker Martin Büsser hat das Phänomen des „Überlebens“ einmal am Beispiel von Phil Collins erzählt (nachzulesen, wie alle folgenden Zitate von ihm in dem wundervollen Buch: „Music is my Boyfriend: Texte 1990 bis 2010“ – Martin Büsser starb Ende 2010 an Krebs). Phil Collins mache Musik, von der niemand sagen könne, wofür sie eigentlich steht – von Phil Collins selbst einmal ganz zu schweigen.

Seine Musik schwebe nun seit nunmehr als 30 Jahren überall “in the air”: „Er ist der erste Mensch, dem es gelang, alleine über die Erzeugung von völliger Interesselosigkeit zum Milliardär zu werden“, schreibt Büsser. Überleben, egal wie, egal wofür – das Prinzip begleitet die Popkultur mit Phil Collins mindestens seit den 70er Jahren. Der Punk hatte sich mit seinem „No Future“ abzugrenzen versucht, gesagt: das hier ist kein Leben. Doch geblieben ist nicht Punk, sonder Phil.

Wenn nur noch Bier und Küsse schmecken

Was hat das nun für Folgen? Wie sich diese Kultur des Überlebens und des Durchwurschtelns, die man aus allen sozialen Sphären kennt entwickelt hat, könnte man auch in dem Wandel von der „Kulturindustrie“ zur „Popkukultur“ beschreiben. Beide Begriffe charakterisieren nie ein gesellschaftliches Subsystem, sondern immer die Gesellschaft als Ganzes. Kulturindustrie beschreibt nach Adorno den Versuch, die vormals nur einer Elite zugängliche Hochkultur in der aufgekommenen Massengesellschaft zu verankern. Da in der Massengesellschaft die Warenproduktion alle Lebensbereiche durchdringt, wird auch die Kultur zur Ware.

Popkultur wäre demzufolge der Zustand, in dem die Ware selbst zur Kultur erhoben wird, Pop somit eine “medial vermittelte Intensität, die im Leben einzulösen den Rezipienten bereits deshalb unmöglich erscheint, weil sie diese Intensität schlechthin nur noch als medial vermittelte kennen.” (Büsser) Die Popkultur reproduziert die immer gleichen Versprechen nach Liebe und intensivem Erleben, “weil uns in einer Welt, wo nur noch Bier und Küsse schmecken, nichts anderes bleibt, als entweder vom Verlust zu singen oder die Lust zu trommeln”. Am schlimmsten ist für Büsser die Musik, die sich in diesen Chor einfügt, „die sich gleich als Musik zu erkennen gibt“, gut ist die Musik, „bei der die Ohren weghören wollen“.

Verstörung gesucht

Um die Geschichte dieser „relevant verstörenden Ästhetik“ nachzuzeichnen, gründete Büsser 1995 das Magazin “Testcard – Beiträge zur Popgeschichte”. Um sich mit der Umsetzung einer Idee zu beschäftigen, die “inhaltlich wie formal dazu beschaffen ist, den jeweiligen gesellschaftlichen Status quo in Frage zu stellen, dessen Wertvorstellungen zu erschüttern.”

Seitdem erscheint die Testcard halbjährlich, mit rund 300 Seiten eher ein Buch als ein Magazin. Sie will das Scheitern der Gegenkulturen aufzuzeigen, ebenso wie die Momente ihres Gelingens. Momente, in denen es die Musik noch schafft, Intensität und Erleben zu erzeugen, und so vielleicht ein gefühltes Wissen über irgendeinen Weltzusammenhang zu vermitteln, der in einer gesammelten Werkausgabe nicht einmal anklingen könnte.

Das Neue und die Nische

Warum ist die Suche nach diesen verstörenden Momenten nun so schwer geworden? Zum einen, weil der so verstandenen Avantgarde seit geraumer Zeit eine Kategorie abhanden gekommen ist: die des „Neuen“. Der britische Musikkritiker Simon Reynolds hat das im vergangenen Jahr in seinem Buch “Retromania” beschrieben. Der digitale Zugang zu den kulturellen Artefakten der Vergangenheit, stelle eine Form des Überflusses dar, die längst Krise geworden sei. Musik bestehe zu weiten Teilen nur noch aus Referenzen. Somit ist das per se verstörende Element des „Neuen“ weggefallen ist. Popmusik und dessen Kritik befinden sich weitgehend in einem selbstreferentiellen Loop, so lautet die Bestandsaufnahme.

Zum anderen haben sich die, die sich von dem Mainstream abgrenzen wollen, in Nischen eingenistet, eigene Netzwerke, alternativen Vertriebswege gefunden. Was zu begrüßen ist, aber eben ein Wahrnehmungsproblem zur Folge hat: Wer soll da den Überblick behalten? Und wie sollen die vielen Nischen eine Wirkung erzeugen? In einem seiner späteren Texte äußerte Büsser deshalb die Hoffnung, dass all diese Nischen zusammengenommen den Mainstream und seine Formate wie DSDS selbst als Nische erscheinen lassen werden.

„Wovon lebst du eigentlich?“

Womit wir beim eigentlichen Problem sind: Denn selbst in der Nische ist das Musikmachen häufig nur noch als eine Art spät-pupertärer Luxus möglich. Irgendwann muss irgendwo Geld her. Und das wird bekanntlich immer schwieriger. „Überleben: Pop und Antipop in Zeiten des Weniger“ heißt so die im Dezember erschienene Testcard-Ausgabe.

Erwerbsmöglichkeiten und Lebensmodelle hätten sich auf eine Art und Weiße verdünnt, heißt es im Editorial, dass sich die Frage nach der eigenen materiellen und ideellen Lebensgrundlage immer intensiver aufdränge: „Finanzielle und kulturelle Kapitalströme wurden umgeleitet, Konzern-Renditen maximiert, Verluste ,sozialisiert’, Sozialleistungen einkassiert, reale (bezahlte) Infrastrukturen und Produkte (vielfach ins Unbezahlte) virtualisiert oder (vielfach ins Unbezahlte) ideologisiert…“. Statt „Wofür lebst du heute eigentlich?“ heiße es heute nur noch „Wovon lebst du eigentlich?“

Vier Verhaltensmuster ständen diesen Bedingungen des „Überlebens“ gegenüber: 1. Ignorieren „(oft hilfreich aber naiv“) 2. Rumjammern („hilft, aber führt nicht weiter“) 3. Konvertieren („im Arschloch des Systems verschwinden“) 4. “Die ökonomischen Macht- und Feldverschiebungen möglichst nüchtern analysieren und möglichst un-ernüchterte Positionen dazu entwickeln, erproben und gegebenenfnalls erkämpfen.” Die Testcard verschreibt sich freilich letzterem.

Das Starsystem der Popkultur

Sie tut das zum Beispiel mit begrifflichen Annäherungen im Gespräch mit Falko Schmieder, der einen 400 Seiten schweren Sammelband zum Thema herausgegeben hat, Ergebnis der vor zwei Jahren an der Akademie der Künste stattgefundenen Tagung: „Überleben. Ein neues Paradigma der Kulturwissenschaften?“. Der Begriff des „Überlebens“ kommt immer dann ins Spiel, so Schmieder, “wenn gewohnte Lebensvollzüge oder Reproduktionsdynamiken grundsätzlich prekär geworden sind, wenn sie gewissermaßen im Zeichen einer existentiellen Bedrohung oder Gefahr gesehen werden, die von allgemeiner gesellschaftlicher Bedeutung ist.” So geschehen in den Theorien von Darwin und Marx, zu Beginn der Moderne.

Wie prekär die Lage heute ist, beschreibt David Schwertgen. Bei rund 11.500 Euro liegt das durchschnittliche Jahreseinkommen von Küntler_innen, Musiker_innen und Autor_innen unter 40 Jahren laut Künstlersozialkasse. Wie da rauskommen? Vor allem, indem keiner mehr dem gängigen Starsystem der Industrie folge, demzufolge es zuerst darauf ankäme, in den eigenen Namen zu investieren, ehe die Pop-Ökonomie diesen verwerte: „Wer plant als Kulturproduzent_in ein anständiges Leben zu führen, sollte es von Anfang an ablehnen, seine Arbeit umsonst anzubieten, auch wenn es eine stetig nachwachsende Armee von Praktikant_innen gibt, die diese Lektion noch schmerzhaft lernen muss.“

Eine Entwicklung, die Diedrich Diederichsen schon seit geraumer Zeit, so auch in dieser Ausgabe, als „Selbstverwirklichungselend“ anprangert. Ansonsten plädiert er im Gespräch dennoch für das Verlassen der Nische: “Ich glaube es fehlt an geteilten Zeichen und Habitus-Elementen der gerade überall entstehenden potentiellen globalen Linken der Zukunft, aber auch an Begriffen und Zielen, also eigentlich an Internationalität und Mainstreamfähigkeit, nicht von der Substanz her, aber von der Sprache. Ich hätte nie gedacht, als alter Subkulturalist, so etwas einmal zu fordern. Aber soweit ist es gekommen.”

Bedürfnisse anklingen lassen

Daniel Kulla geht weiter. Es gehe eben nicht darum, “das gute Leben in seiner Szene” zu suchen, sondern, wie es in dem Büchlein „Der kommenden Aufstand“ heiße, „mit jenen Organisationen zu brechen, die nur noch mit ihrer Selbsterhaltung beschäftigt sind.” Der Rückzug in die Nische sei bereits Resultat verlorener Kämpfe. Insofern geht die Programmatik für ihn bis hin zu Aneignung und Besetzung, fängt aber bereits “mit jeder Handlung, Äußerung, Note oder Zeile an, in der das traurige Dasein dieser Wünsche und Bedürfnisse anklingt, in der diese erkennbar werden, die zu ihrer Erfüllung aufreizt oder die sie bereits praktisch zu erfüllen beginnt.”

Es scheint, als fordern die Bedingungen des „Überlebens“ zwar die Abgrenzung und damit auch die Nische. Aber den permanenten Überlebensmodus legt man erst mit dem Schritt nach draußen wieder ab. Und ein gewisses Maß an Blindheit, an Naivität, hat noch nie geschadet, um selbstreferentiellen Schleifen zu entkommen. Oder, wie es Martin Büsser einmal über die nur noch um sich selbst kreisende Hardcore-Szene schrieb: „Diese Sprüche müssen draußen stattfinden, wo auch immer ihr euch befindet. Überall, nur nicht hier, wo es eh’ schon jeder wissen sollte.“

Als die Berliner Volksbühne jüngst eine Moby-Dick-Nacht veranstaltete, interessierte das kein Schwein. Dabei war viel geboten: Es gab einen Vorlesemarathon, im Hintergrund lief die Film-Adaption von John Houston, im Foyer und in den Gängen des Theaters vermischten sich Gelehrten-Kommentare und Interpretationen mit E-Gitarren. Sie war ein lauter, aber auch ein liebloser und leerer Walfänger, diese Volksbühne. Als könne zum 160. Geburtstag des Romans keiner mehr was mit Moby Dick anfangen.

„Es ist nur ein Wal“, sagt auch Kapitän Ahab aka William Hurt in der Neu-Verfilmung, die RTL kürzlich ausstrahlte. Alles, was hier vom metaphysisch aufgeladenen Schinken bleibt, ist das Abenteuer eines naiv-glotzenden Jünglings namens Ismael. Wobei – wen interessieren auch Hunderte von Seiten über Schiffsknoten und Walfanggeschichte? Wer wollte das lesen oder gar anschauen?

Man fragt sich, was Melville zu unserer Zeit beizusteuern hätte. Im Grunde schrieb er die immer gleiche Geschichte: Ein Jüngling fährt zur See, gefangen auf dem Schiff wird alles irgendwie zur Qual. Oder: Das Subjekt in der Gesellschaft. Und immer geht es um die Frage: Was tun, Jüngling? Weil auf Seeabenteuer schon damals niemand mehr Lust hatte, verlegte Melville die Erzählung vom gefangenen Subjekt aufs Land: Zwei Jahre nach Moby Dick schuf er in der Novelle Bartleby, der Schreiber – Eine Geschichte aus der Wall Street einen Urahnen der Occupy-Bewegung.

Bartleby ist als Kopist in einer Kanzlei beschäftigt. Nach kurzer Zeit hat er keine Lust mehr zu arbeiten. Formelhaft wiederholt er sein Mantra: „Ich möchte lieber nicht“, auch wenn er gefragt wird, was er stattdessen tun möchte. Von Gilles Deleuze bis zum Tiqqun-Kollektiv, überall musste der arme Kerl schon als Symbol für das aufbegehrende Subjekt herhalten, das die Alternativlosigkeit des Kapitalismus derart verinnerlicht hat, dass es nicht mehr weiß, was es denn tun könnte. Es bleibt nur die Geste der Verweigerung.

Bartlebys Nachfahren wurden mittlerweile aus dem Zuccotti Park geschafft, er selbst verhungerte im Gefängnis. Moralisch ist nur der, der den Mund nicht aufmacht. Alsbald verstummte auch Melville und fand erst 30 Jahre später seine Sprache wieder: In Billy Budd sind die Seeleute zwangseinberufen. Billy, ein Findelkind, stottert und kann sich nicht verteidigen, als ihn der bösartige Polizeichef beschuldigt, eine Meuterei angezettelt zu haben. Billy schlägt ihn daher mit einem Fausthieb tot. „Hätte ich reden können, so hätte ich nicht zugeschlagen“, sagt er, ehe er gehängt wird. Melvilles Fazit: Zuschlagen und hingerichtet werden. Oder „Lieber nicht“ sagen und verhungern.

Lieber wieder zurück zu Moby Dick: Es gibt eben nichts Wichtigeres als die Kapitel über Walfang und Schiffstechnik! Ismael studiert alle Gerätschaften, ackert sich durch die Geschichte des Metiers. Er analysiert, was ihn beherrscht, entwickelt eine Haltung aus naiver Empirie und angelesenem Wissen heraus, versucht das Geschehen und den weißen Wal sprachlich zu fassen. Man könnte das immanente Kritik nennen.

Was Ismael am Schluss das Leben rettet, ist allerdings der pure Zufall: Der eigens für den Harpunier Quiqueck gezimmerte Sarg steigt aus dem Strudel der sinkenden Pequod empor und wird für Ismael zur Rettungsboje. Die gibt es auf jedem noch so totalen Schiff. Hoffentlich.

(zuerst erschienen in derFreitag 49/11)

… and I failed. Schön morbide Animation  für die dunkle Jahreszeit. (via)

Der Zündfunk hat am 15.10. eine Hommage an den Poptheoretiker Martin Büsser gesendet, der vor einem Jahr an Krebs gestorben ist. Besonders schön: Ein Brief an den Sänger der Band “The Clash”, den Büsser nie abgeschickt hat. Die Schlussworte:

“Ein Teil der Gruppe zu sein, heißt sich selbst zu verneinen… aber sobald man seinen Verstand gebraucht, braucht man keine Demo mehr – dann ist man die Demo… Stick the gun out of your mouth. Thanks and Goodbye.”

Auf Büssers Beerdigung spielte eine befreundete Band “Steak for Chicken” von dem Moldy Peaches – das ich hier mal poste. Auch als Erinnerung an mich selbst: “We are not those kids… sitting on the couch!”

“Der Kapitalismus sorgt für mich”, hat Peter Licht der FAZ gesagt. Letztens sei ihm die Brille kaputt gegangen, und der Kapitalismus habe ihm eine neue besorgt. Weil Peter Licht trotzdem Lieder vom “Ende des Kapitalismus” singt, folgert die FAZ, dass er ein konservatives Moment zurück in den Pop bringe – die Einsicht, selbst Teil des Systems zu sein. Statt Klarheit und Krawall gebe es Luhmann und Sloterdijk.

Nun ist von Sloterdijk ist auf dem neuen Album glücklicherweise herzlich wenig zu hören: Seine Rilke-Exegese “Du musst dein Leben ändern” wiederholt Peter Licht so oft, bis nur noch ein netter Singsang bleibt. „Nur welches Leben soll ich ändern, und welches eben nicht“, fragt Peter Licht stattdessen zurück. Wie er überhaupt eine Menge fragt. So bleibt die Frage: Mit was für einer Haltung haben wir es hier zu tun? Denn nichts anderes versucht Kunst, sie will eine Haltung zur Welt ausdrücken.

Pop als Mogelpackung

Bei Peter Licht ist es naturgemäß schwierig mit Haltungen. Pop ist für ihn immer eine Mogelpackung, nur auf die richtige Verpackung komme es an, sagte er Spiegel Online. Auf der Verpackung steht dieses Mal „Das Ende der Beschwerde“ – doch auch das sei nicht wörtlich gemeint, das Album stelle lediglich den Versuch dar, die Beschwerden zu beenden.

Beim Hören erinnert man sich daran, dass kaum einer so schön Wörter aneinanderreihen kann dabei scheinbar immer noch einen tieferen Sinnzusammenhang bestehen lassen kann: Von “Gesellschaft ist toll, wenn nur all die Leute nicht wären” (Das Ende der Beschwerde),  bis zu “Die Erfindung des Systems ist die Erfindung der Flucht” (Fluchtstück) – schöner hat es Luhmann auch nicht gesagt.

Flüchtige Haltungen

Spätestens bei “Ich war im Begriff, im freien Fall aufzusteigen und bin dabei, nach unten zu starten” (Steigen/Fallen) fragt man sich dann schon, was jenseits des Widerpruchs überhaupt noch übrigbleibt. Macht Peter Licht vielleicht einfach die perfekte Musik für Menschen ist, die von ihrem iPhone twittern: “Begrabt mein iPhone an der Biegung des Flusses”? Anders gefragt: Wozu das alles, wenn sich am Schluss eh nur wieder alles gegenseitig aufhebt?

Dabei ist “Das Ende der Beschwerde” ganz wörtlich gemeint ist: Lässt man all die Widersprüchlichkeiten beiseite – wen beschweren die nicht? –  bleiben zwei Aussagen übrig: “Das Hier ist da, wo die Träume enden, wo die Welt beginnt” (Meine Alten Schuhe); vergesst die Utopien, kommt endlich hier an; Voraussetzung für die Flucht aus jedem System ist ein fester Ort, von dem aus man fliehen kann.

Und: “Diese Nacht sollten wir bleiben und wir sollten uns halten” (Wir sollten uns Halten). Das ist vielleicht nicht viel gegen ein System voller Widersprüche. Vielleicht ist es ein Anfang. Anders hält man das hier gar nicht aus.

Das Geld hat seinen Geruch verloren, sagt Georg Seeßlen in diesem kurzen Video. Einen Geruch, den jener Geldschein noch hatte, mit dem wir Essen gegangen oder ein konkretes Bedürfnis befriedigt hätten. Das Geld verschwinde immer mehr ins Virtuelle und verwandle sich in abstrakte Ziffern. Und da das Geld nicht mehr greifbar ist, bleibe auch die so oft beschworene Revolte aus.

Zwar habe Marx den Fetischcharakter des Geldes noch erklären können. Doch seitdem das Geld nicht mehr konkret akkumulierte Arbeit verkörpere und stattdessen in einem virtuellen Raum in sich selbst kreist – wem solle man da überhaupt noch Geld wegnehmen? Das Geld hat keinen Ort mehr, sagt Seeßlen, es geht ins Nichts, und “wenn das Geld ins Nichts geht, dann gehen wir auch ins Nichts – das ist völlig klar.”

“Eigentlich ist klar, dass hiernach nichts mehr kommen darf – das bleibt also unter uns”, sagte Andreas Spechtl beim letzten Ja, Panik-Konzert in Berlin noch ganz verschämt. Da hatte er gerade die letzten Worte des Depressions-Manifests DMD KIU LIDT ins Mikrofon gehaucht. Dann spielte er noch ein paar Zugaben.

Beim gestrigen Konzert war DMD KIU LIDT tatsächlich der letzte Song des Abends. Und trotzdem: Die wohl noch nie so schön besungene Depression ist auch keine Lösung (das war sie auch noch nie). Obwohl es bei Ja, Panik bisher hieß “I burnt the manifestos” kann man ab sofort auf den Konzerten der Band das Büchlein „Ja, Panik: Schriften – Band 1“ erstehen. Darin: die gesammelten Kolumnen, Tourtagebücher und mehr (steht alles auch hier). Lesestoff also. Zu konsumieren in der Zeit, in der einen das doofe System wieder einmal ausgeknockt hat.

„Die kommende Gemeinschaft liegt hinter unseren Depressionen“ heißt also nicht, dass man die Welt verändern kann, indem man einfach abtaucht. Im Gegenteil: Erst im Bett, im Zelt auf öffentlichen Plätzen und überall dort, wo Menschen feststellen, “dass es um mehr als die eigenen paar Problems geht” (DMD KIU LIDT) – erst da kann die Suche nach dem Anderen überhaupt erst beginnen. Nicht einmal in Ruhe depressiv sein darf man also noch. Aber so viel Spaß hat das ohnehin nie gemacht.